一个美术生
一本好书，一杯好茶，在悠扬的古筝乐下曲相遇，是美妙且安静的。
深秋晨露，寂静无声却晶莹悦目，如同拥有一个良好的人际关系氛围，可使人远离生命中的困惑与旅途中的乏味。
埃克哈特.托利对于人际关系做出了别样的分析与解读。
他认为，倾听是一门艺术，当倾听别人说话时，不要仅用大脑去聆听，还要用整个身体去聆听。
在倾听的时候，试着去感受你内在身体的能量场，从而将你的注意力从思维中带走，创造一个真正没有思维干扰的、便于真正倾听的宁静空间。
这是你给别人极为珍贵的礼物。
大部分人不知道如何去倾听别人说话，因为他们的大部分注意力都被思维所占据。它们赋予自己思维的注意力比赋予别人说话内容的注意力要多的多，而对于真正重要的东西--别人话语和话语下的的本体，却丝毫没有留意。
较为尴尬的情景是，大部分的人际关系主要由思维互动组成，而不是由彼此间的相互沟通和体会组成。这就是为什么在人际关系中有如此多的冲突的原因。
交谈中，要与你的内在身体相连接并创造一个纯净的“无思维空间”，在这个空间里，人与人之间的关系就会得到良好的发展。
轻柔的古筝乐曲下，一杯茶、一本书，在这里相遇……
谢谢你的问题， 首先美术艺术家自传
1：《渴望生活-梵高传》是2008年4月1日 北京十月文艺出版社出版的图书，作者是欧文·斯通。
内容简介
《渴望生活--梵高传》是美国传记作家欧文·斯通的成名作，是其年仅26岁时的作品。欧文·斯通认为，最能打动读者的不是名人深厚的成就和辉煌，而是他们追求和探索的过程。七十余年来，梵高悲惨而成就辉煌的人生震撼无数读者。这部作品被译成八十余种文字，发行数千万册，感动亿万读者。
2：《月亮和六便士》毛姆：后印象派画家高更原型
《月亮和便士》的情节取材于法国后印象派画家高更的生平，主人公原是位证券经纪人，人届中年后突然响应内心的呼唤，舍弃一切到南太平洋的塔希提岛与土著人一起生活，获得灵感，创作出许多艺术杰作。毛姆在小说中探入探讨了生活和艺术两者的矛盾和相互作用。《月亮和六便士》是威廉啡胤毛姆的三大长篇力作之一，完成于1919年。毛姆最新鼎力大作，年度必看言情。
3、《莫奈和他的眼睛》张佳玮：印象派画家莫奈
内容简介：
对艺术圈来说，那是一个最糟的时代
对艺术来说，那是一个最好的时代
一个天才辈出的时代
一个老传统被抛弃的时代
而这本书要说的是那个时代里 一个并不天才
但因其画作命名了那群新天才的画家——莫奈
满肚子文人段子，爱掉书袋的张佳玮
首次将擅长的传记笔墨与熟读的美术史料 融为一 体
书写印象派创始人莫奈的一生把画家重新镶回印象派诞生之初的法国复原塞尚赞叹的“那是一双多么美妙的眼睛”所看到的“麦垛，鲁昂的教堂，拱桥和睡莲，以及当时正飘拂在这些事物之上的、19世纪到20世纪的阳光与风雪。”
史料丰富，图文并茂，一本莫奈 看明印象派
《杜尚访谈录》 达达主义代表人物杜尚
内容简介：
达·芬奇的传世名作《蒙娜丽莎》画胡子，他把小便池送到展览会当作品展出。这些惊世骇俗、让人目瞪口呆的作品出自他的手。他是谁?他，就是杜尚。一个蔑视艺术，把生活视为惟一艺术品的人;一个放弃传统，却又影响深远的人。杜尚的出现，改变了西方现代艺术的进程。可以说，了解杜尚就是了解西方现代艺术的关键。在这里，我们为您提供了一个了解杜尚的入口--《杜尚访谈录》。因为，通过对话，"它给我们提供的是我们所拥有的20世纪一个最了不起的艺术家的自画像。"
其次音乐类艺术家自传
1：《莫扎特和他的歌剧》作者：大卫·凯恩斯
《莫扎特和他的歌剧》内容简介：大卫•凯恩斯的《莫扎特和他的歌剧》，为纪念作曲家诞辰250周年而作，它通过透视莫扎特的几部最伟大的作品——歌剧，来重述作曲家的一生。凯恩斯对莫扎特的创新进程进行了新的洞悉，使本书超越了传统的传记，它帮助我们理解在那个时代莫扎特音乐的革命性，以及其至今的非同凡响性。
凯恩斯追溯了莫扎特早年作为一个音乐神童的生活，展示了这位天才的成长历程，再现了他非比寻常的童年以及日渐成熟、原创性日渐增强的创作。他没有细究许多围绕着莫扎特的神话，没有把他写成传说中的样子，因为他本来就不是一个矛盾的统一体，本来就不同时具备令人崇敬的艺术家和小丑的特质；相反，与其像过去那样把他描述成“神”，倒不如说他是一个“人”。 在歌剧的引领下，本书追随着莫扎特音乐风格的稳步发展，从他刚成年时写的《伊多梅纽斯》入笔——这部应邀为1781年的慕尼黑狂欢节而作的歌剧，在凯恩斯看来是莫扎特所有歌剧中最浪漫、最具前瞻性的作品；经过三部与罗伦佐•达•蓬特合作、全面展示其高超技巧的喜剧歌剧，《费加罗的婚礼》、《唐•乔万尼》、《女人心》；最后到《魔笛》，这一莫扎特职业生涯中最大、最富综合意义的成功。莫扎特的歌剧与其器乐作品之间的相互影响，在本书中得到了细致入微的分析。正如凯恩斯所言，对莫扎特歌剧的熟悉程度能改变我们对其整个艺术的认识：“我们看到，他的创作方式完完全全是戏剧家式的。在他手里，钢琴协奏曲成为一种戏剧形式；伟大的弦乐四重奏和五重奏，不只是完美的模本，更是人性的档案。”
《莫扎特和他的歌剧》对莫扎特歌剧天才极富智慧、明了易懂的赏析，丰富了我们对音乐的经验以及对莫扎特生平的了解。
2：《不朽的钢琴家》作者：哈罗德•C•勋伯格
内容简介：本书再现了历史上不朽小提琴家的魅力，简要而有趣地叙述其生活、个性与事业。作者就他们对作曲者、公众品味的影响以及演奏技巧的贡献等各个方面，讲述了这些小提琴家的特殊成就。
作者Margaret Campbell参阅了大量的书信和私人文件，并且访问许多著名音乐家，很多人为本书提供了从未发表过的回忆录和珍贵照片。
《不朽的小提琴家》是一本献给音乐会听众、唱片收藏者（附有“唱片目录”）、弦乐演奏者和学生等所有爱好小提琴演奏艺术者的书。
3：《约翰·克利斯朵夫》作者：罗曼·罗兰
内容简介：
本书写的是关于一个音乐天才与自身、与艺术以及与社会之间的斗争，追溯了一个德国音乐家在许多艺术斗争中演变的历程。主人公约翰·克利斯朵夫是一个充满矛盾和不协调的性格，一位满怀生命热情却又遭到敌对世界误解的极其诚恳的艺术家。爱德蒙·高斯称此书为20世纪的最高贵的小说作品。
整个作品分为四册，相当于交响乐的四个乐章：
第一册包括克利斯朵夫少年时代的生活（黎明，清晨，少年），描写他的感宫与感情的觉醒，在家庭与故乡那个小天地中的生活，——直到经过一个考验为止，在那个考验中他受了重大的创伤，可是对自己的使命突然得到了启示，知道英勇的受难与战斗便是他的命运。
第二册（反抗，节场）所写的，是克利斯朵夫像年轻的齐格弗里德”一样，天真，专横，过激，横冲直撞的去征讨当时的社会的与艺术的谎言，挥舞着唐·吉诃德式的长矛，去攻击骡大，小吏，磨坊的风轮和德法两国的节场。这些都可以归在反抗这个总题目之下。
第三册（安多纳德，户内，女朋友们）和上一册的热情与憎恨成为对比，是一片温和恬静的气氛，咏叹友谊与纯洁的爱情的悲歌。
第四册（燃烧的荆棘，复旦）写的是生命中途的大难关，是“怀疑”与破坏性极强的“情欲”的狂飙，是内心的疾风暴雨，差不多一切都要被摧毁了，但结果仍趋于清明高远之境，透出另一世界的黎明的曙光。
等等......
感谢你的问题，希望对你有所帮助！
关于西方艺术史类:
可以读贡布里希《艺术的故事》
丹纳《艺术与哲学》
关于西方现代艺术:
可以读广西师范大学出版社.威尔贡培 兹《现代艺术150年》
关于审美、美学类:
国内的比较通俗易懂有趣味性，可以读 李泽厚《美的历程》《美学四讲》美学史《中国思想史编》
宗白华《美学散步》
朱光潜美学思想作品，如《谈美》《给青年的十二封信》
冯友兰《论中国艺术精神》
西方的美学思想:
如黑格尔的《美学》但文字晦涩难懂，需要一定的基础。
画画很厉害是种什么样的感觉？
我们说艺术无止境。当你涉足艺术的时候，你会发现你有学不完的东西，你永远在路上，你总不能够满足自己。当然，“不满是向上的车轮”，是艺术代代相传永不停步的源泉和动力。
从一个初学者到“画画很历害”是种什么样的感觉呢？应该说是一种非常美妙的感觉，是一种梦想成真的感觉，是一种酒不醉人人自醉的感觉。但是这种感觉是短暂的。因为当你从不会画画到会画画到画画很历害的时候，你的视野也在开阔，你的境界也在提升，你的艺术理念你的审美取向你对自己的要求都跟从前发生了变化。这时你会发现，你并不“厉害”，比你“厉害”的画家多着呢！所以在你短暂的春风得意之后，你会发现你已经停不下来了，你必须马不停蹄，继续努力，从“画画厉害了”向“更厉害”出发！
法国十九世纪绘画大师安格尔画技卓越，当他画了《大宫女》之后，好评如潮，安格尔也为自己精彩绝伦的绘画表现手法自鸣得意。当有人指出《大宫女》腰部略显细长造型不够精准时，安格尔还不以为然地辨解说是他有意这样“设计”的，因为这样看上去人物形象更美。但是当他冷静下来细想这个问题时，他对自己提出了“造型精准会影响人物形象美观吗？”的反问。后来，他潜心研磨，终于创作出了和真人模特身高、体型、容貌、三围、腿长臂长等完全一致造型精准的《泉》，果然比《大宫女》更胜一筹。《泉》和《蒙娜丽莎》一起成为巴黎卢孚宫的镇馆之宝。
天才的后印象派绘画大师梵高从画近二十年，一直在探索绘画的画技和表现手法，及至达到了炉火纯青的造诣，画出了《向日葵》、《星空》、《麦田》这样的经典之作，梵高仍然不甚满意，仍在苦心孤诣的追求探索。
这样的例子不胜枚举。
所以说，“画画很历害”只是一种相对而言或者说是别人的赞誉。真正画画很“厉害”的画家并不会觉得自己有多么“厉害”，因为他知道“山外有山，天外有天”、“艺术无止境”，没有最好，只有更好。
毫无疑问，画画很厉害的人可以“名利双收”，即在创作的过程中体会到艺术的魅力，又可以享受艺术所带来的财富；古今中外会画画的人不计其数，然而可以称得上画的很厉害的人却并不是很多，这也就是我们平时所说的画家和画师的区别，
当然了，画画很厉害的人，并不是天生就画的很厉害，而是离不开名师指导和坚持不懈的努力，我们就说天才艺术家达芬奇吧，据说达芬奇小时候画画是从画鸡蛋开始的，他的老师每天都叫达芬奇画鸡蛋，因为同一个鸡蛋，不同角度欣赏，形状特征都有所不同，
画画依靠的是“观察力、想象力、创造力”，像达芬奇那样的天才画家，其观察力、想象力、创造力必定是卓越超凡，人们习惯称之为“艺术天赋”，有天赋的人在画画时总能做到心灵手巧，天才艺术家在创作时内心是孤独的，又是无比喜悦自豪的，
之所以内心孤独，是因为对艺术的构思理念不同于他人，甚至不被人理解，比如达芬奇一幅画作《蒙娜丽莎》竟然画了十多年，比如在不属于印象派时代时，梵高竟然固执的创作印象派风格的植物、风景画，这些都不被常人所理解；
之所以内心无比喜悦自豪，那是因为创作出来的画作都被时代所认可，达芬奇的《蒙娜丽莎》成为了世界名画，梵高超越于凡人的艺术眼界终究被人们所认可；在当代那些画画很厉害的画家，一幅画作的商业价值高的惊人，比如“超写实主义”代表画家冷军的画作几乎都是上千万，这对于冷军来说就是名利双收了。
进了画画高手的圈子就觉得圈内诸位大佬最厉害。各有千秋各有所长，总有自己不及之处，顿时不敢有狂妄娇纵之心，小巫见大巫之感。所结识有佛绘名家战先生，其所绘制佛像神光湛然，慈悲安详，用线用色皆为上乘，所谓术业有专攻便是如此了。另有一位王老师，其所绘制清丽通透，独成一派。常常自叹不如，其实所谓厉害，也就是自己欠缺，而他人具备，比如 写生 创作 造型等能力。如若自己扬长避短或取长补短，提升自身短板，使得优势更盛，那自己便也是他人眼中画画极为厉害的人了。只是个人一点小小见解，时时保持谦逊之心，不浮躁不自傲，还是那句话，业精于勤荒于嬉，自身艺业精进，能得书画里的同行以及书画爱好者的赏识，那自己便勉强可算得画画厉害之人了吧。
你最喜欢的艺术家的一幅画？
回答：让·米歇尔·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）（1960-1988）是二战后美国涂鸦艺术家，新艺术的代表人物之一。也是我最喜欢的艺术家。
巴斯奎特的涂鸦作品中包含有诗意的象征，哲学化的内涵和讽刺性的寓意，还有各类符号，如王冠或《SAMO©》，这些以后都成为了他的标志性象征。
除了涂鸦，他也是位非常优秀的说唱歌手，有自己的乐队，但最为津津乐道的其实是他与麦当娜的感情部分。可惜，天妒英才，最终因毒品离世。
我最喜欢的是他的骷髅画作，第一眼看到其实是看不懂的，当我加入自己的想法，并把它们画到衣服上时，呈现出来的居然是自己熟悉的部分，这个太不可思议了。。。
我最喜欢的是张泽端的《清明上河图》，全卷以全景式构图，严谨精细的笔法，展现出北宋都城汴梁郊外汴河沿岸及东角门里市区清明时节的风貌。画的内容结构大致分为三个段落：开首为郊区农村风光；中断是以虹桥为中心的汴河及其两岸船车.，手工业和商业贸易活动；后段为城门内外，街道纵横，车水马龙的繁华热闹景象。此画再现了宋代城市社会生活的各个方面，具有高度的历史文献价值。
画家在创作绘画中，采用的是散点透视，长卷构图中充满了戏剧性的情节和引人入胜的细节描写。整幅画有铺垫，有起伏，有高潮。船过虹桥的紧张场面安排在全卷近中央部分，形成有艺术效果的最精彩部分。
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我最喜欢的艺术家的一幅画：
夭折的玫瑰——米莱斯《奥菲莉娅》
“拉斐尔前派”代表画家米莱斯的成名作《奥菲莉娅》，再现了《哈姆雷特》中的情节，具有美感的画面和严谨细腻体现了“拉斐尔前派”的主要特征，成为一直影响至今的画作。
她的衣服四散展开，使她暂时像人鱼一样漂浮水上；她嘴里还断断续续唱着古老的谣曲，好像一点不感觉到她处境的险恶，又好像她本来就生长在水中一般。
——莎士比亚《哈姆雷特》
1851年，19岁的伊丽莎白·希尔达走进位于“拉斐尔前派”的集体画室。米莱斯，这位拉斐尔前派最天才的画家，邀请她为他新作《奥菲莉娅》做模特儿。
年轻的希尔达浑身散发着罂粟般的美感，她的美貌流露着哀愁，双唇却又透露出无动于衷的冷漠。
因为患有肺病，希尔达脸上常常浮现出异常的红晕。加上一头栗色的长发和纤细的身材，更让她充满纤弱却致命的诱惑。
虽患肺病，可对于热爱文学和艺术的希尔达而言，能够扮演英国作家威廉·莎士比亚剧作《哈姆雷特》中的人物，这有着致命的吸引力。
米莱斯体贴地在浴盆底下加了煤油灯，在温暖的水中，希尔达摆出奥菲莉娅死在溪水中的姿势，让米莱斯可以描绘她死亡后的安详。
作品最终顺利完成，而浴盆里的水变得冰冷，沉迷于艺术与美的米莱斯和希尔达全然不知煤油灯早已熄灭。毫无疑问，希尔达的肺病骤然加重。
正是希尔达脆弱的身体，让米莱斯的《奥菲莉娅》活了起来。
画中，奥菲莉娅静静地漂浮在水草茂密的水面上，四周绿树成荫，花草芬芳。
她穿着华丽的裙袍，嘴里唱着古老的歌谣。她双眼无神，一脸木衲地望着天空，她将慢慢地沉入水底，最终与她凋零的生命奇妙的融合在一起，仿佛在述说，死亡便是这世间最极致的美。
在描述风景时，米莱斯遵循拉斐尔前派宗旨，以科学的态度精确地描绘了每一花朵。
他特意去到萨利州的河岸近距离观察自然，把原剧作中提到的花朵都细致描绘出来，并且这些花朵都具有特殊的象征意义。
除了原著中所提到的花，米莱斯还加入了一些表达自我情感，具有象征意义的花，比如出现在花环中代表死亡与长眠的罂粟，象征着缅怀和绝望的勿忘我，还有画面前景象象征奥菲莉娅内心的挣扎和痛苦的荨麻。
《奥菲莉娅》一问世，就震惊了当时的英国画坛和观众。
作品甚至影响了其后的梵高等画家，他在1873年给弟弟写的信中提到：“一开始，英国画家对我没有吸引力，但是其中有些还不错，比如画了《胡格诺派教徒》、《奥菲莉娅》等的米莱斯。”。
关于《奥菲莉娅》
“拉斐尔前派”代表作家米莱斯的成名作；
画面再现了《哈姆雷特》中的情节；
具有美感的画面和严谨细腻体现了“拉斐尔前派”的主要特征；
画作的模特也成为让画作津津乐道的看点之一；
该作不仅影响了其后的绘画史，也影响了直到今天的影视界和时尚圈。
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